Алина Аксёнова – История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения (страница 23)

Люди здесь танцуют, выпивают, играют на музыкальных инструментах. Их лица не кажутся привлекательными — порой Брейгель утрирует человеческое уродство. Помня о том, что мир несовершенен, он нередко включает в изображение калек и людей, чья внешность вызывает отвращение. Но образ толпы крестьян был бы неполным без пейзажа на заднем плане.

Эта простая нидерландская архитектура — одноэтажные домики и кирхи — и не менее сдержанная природа с этого момента станут важнейшей частью картин местных мастеров. Люди неотделимы от природы и рукотворного мира.

Во многих картинах итальянских, особенно флорентийских, мастеров пейзаж был просто красивым фоном, лишь дополнявшим идею гармонии личности. У северных художников пейзаж — важная составляющая картины, без которой её невозможно представить. Примечательно, что в отличие от Италии, где линия горизонта всегда располагалась низко и казалось, что человек возвышается над пейзажем, на Севере всё наоборот.

» Сцены, которые писал Питер Брейгель, относятся к бытовому жанру, который зарождается и оформляется именно в Нидерландах. Ему предстоит дальнейший расцвет в XVII веке.

Если в Италии XV века интерес к реальности заставил отказаться от готических и византийских принципов и обратиться к античности, во Франции, Германии и Нидерландах произошла своя революция в искусстве, которую традиционно называют Северным Возрождением.

С началом нового искусства принято связывать живопись Ван Эйка. Известно, что он первым в Европе, раньше венецианских мастеров, стал использовать масляную краску, хотя не установлено, принадлежит ли ему авторство этой техники. Картины Ван Эйка носят многие черты готики — в частности, фигуры невесомы и готически изогнуты — однако реалистичность и точность деталей, объемы пространства, использование прямой перспективы говорят о том, что искусство уже шагнуло дальше.

Не имея доступа к памятникам античности, жители северных стран строили свое искусство на других канонах. В частности, здесь, в отличие от Италии, человек не был центром мира. Философия северных мастеров говорила о том, что в мире вообще нет ничего неважного, и потому детальное и точное изображение предметов, животных, растений было ничуть не менее значимым, чем, например, фигуры святых.

Кроме того, отсутствие антропоцентризма приводило к тому, что человек в искусстве не был идеализирован. Уделялось значительное внимание реалистичным изображениям людей. Героев изображали такими, какие они есть, вместе с их несовершенствами и даже пороками.

Тема человеческих пороков была очень значима для Иеронима Босха. Он впервые превратил метафоры в конкретные визуальные образы. При этом в его искусстве были достаточно сильны традиции готики — он стремился поучать и воспитывать, хотя и делал это на другом техническом уровне.

А вот Альбрехт Дюрер был первым из северных живописцев, кто начал изображать прекрасное обнажённое человеческое тело. Также он стремился найти идеальные пропорции при помощи расчетов. Портреты Дюрера, как и других мастеров Северного Возрождения, были правдивы — он почти не сглаживал недостатков внешности изображаемого, в отличие от Леонардо. Дюрер первым из живописцев создал несколько автопортретов в разном возрасте, проявив таким образом интерес к изучению собственной внешности.

Кроме того, его интересовал и окружающий мир — поэтому он стремился с максимальной точностью изображать животных и растения. Дюрер также стал создателем жанра пейзажа — изображения природы, в которой вообще нет человека. Пейзаж как таковой начинает играть важную роль в картинах нидерландских мастеров — если у итальянцев он присутствовал лишь в качестве декорации, то теперь занимает значимое место и помогает выразить идеи художника.

На развитие искусства в Северной Европе повлиял и научно-технический прогресс. Например, одним из признаков расширения границ мира стало появление чернокожего человека в известном христианском сюжете о поклонении волхвов. А изобретение книгопечатания привело к возникновению нового вида искусства — гравюры, которой увлекался и Дюрер, и другой известный мастер — Лукас Кранах Старший.

Образованных людей благодаря изобретению книгопечатания становилось все больше. Это привело к реформе западной христианской церкви и появлению протестантизма — идеологии, в которой высоко ценились строгость веры, праведная жизнь и труд как главный способ демонстрации веры. Протестанты отказываются от изображений в церкви, таким образом художники теряют заказы и в искусстве начинают преобладать светские сюжеты. Они, однако, наполнены глубокой метафоричностью, потому что духовные вопросы не перестают интересовать людей.

Европейское Возрождение, затронувшее два столетия, XV и XVI, радикально изменило искусство. Оно теперь не только церковное, но и светское. На свет появились различные жанры, сюжеты и огромный спектр тем и образов. Научные и географические открытия, церковные реформы, возникновение светской литературы, новые идеалы — всё это скажется в дальнейшем на искусстве XVII века и появлении нового стиля в искусстве — барокко.

Искусство XVII в.

Открытия эпохи Ренессанса наметили путь развития и для искусства XVII века. Однако исторические обстоятельства нового столетия были уже другими. XVII век — сложное и неоднозначное время в истории Европы, что повлияло и на особенности искусства. Именно тогда возникли сразу несколько стилей, одновременно существовавшие в разных странах. Мы начнем разговор об этом периоде с академического направления, которое оформилось раньше остальных.

Академизм

Для многих художников искусство, созданное в эпоху Высокого Возрождения, имело абсолютный авторитет. Среди итальянских мастеров, почитавших живопись начала XVI века, оказались и те, кто призывали считать её единственным образцом для подражания. Это были братья Аннибале и Агостино Карраччи из города Болонья. Их целью было объединить в искусстве самые сильные стороны великих мастеров — рисунок Леонардо, композицию Рафаэля, колорит Тициана.

» Основав в 1582 году в родном городе художественную школу, они назвали её Академией (Академия дельи Инкамминати — в переводе означает Академия вступивших на истинный путь). Именно так произошло зарождение академизма в живописи — стиля, в котором главным ориентиром были высокие классические идеалы.

В работе Аннибале Карраччи «Пьета» наблюдается треугольная композиция, правильные черты и идеальные лица, на которых нет страдания, они не искажены сильными эмоциями. Одежда Марии напоминает драпировки античных статуй; тело Христа, хотя и показанное в сложном развороте, атлетически прекрасно.

В основе академизма лежит античный принцип красоты и гармонии, воспринятый высоким Ренессансом и через его посредство достигший XVII века.

Одним из известнейших приверженцев академизма в Италии стал художник Гвидо Рени. Его картина «Избиение младенцев» демонстрирует несколько характерных признаков академической традиции.

» Прежде всего художники обращались к библейским или историческим сюжетам: здесь представлена сцена казни младенцев по приказу царя Ирода, желавшего смерти новорождённому Иисусу.

» В целом подобное произведение должно было казаться возвышенным, героическим, вызывать восхищение красотой персонажей и говорить о важности изображенных событий.

Ясно прочитываются границы между передним и задним планами картины. Композиция симметричная, левая и правая стороны уравновешены не только позами героев, но и цветом. Его использование отвечает правилу «трёх цветов»: художник изображал человеческие фигуры нейтральными, бледно-бежевыми оттенками, а для драпировок и деталей использовал три основных спектральных цвета — красный, синий и жёлтый.

Академисты работали в три этапа. Сначала на холст накладывался первый изобразительный слой — подмалёвок. На этой стадии художник лишь размечал будущую композицию картины, обобщённо прорабатывал фигуры и распределял на холсте цветовые пятна. Затем шла основная работа — наложение живописного слоя, то есть собственно создание изображения. Заключительный этап — лессировка, то есть наложение на живописный слой тончайшей полупрозрачной жидкой краски. Это было необходимо, чтобы создать абсолютно ровную и гладкую поверхность картины. Лессировочный слой придавал картине законченный вид. Огромное значение для академической живописи имел рисунок: все фигуры и предметы обладали чётким, тонко очерченным контуром.

Главные черты академической живописи:

» В основе произведения лежит контурный рисунок. Линии, очерчивающие фигуры, всегда тонкие и заметные.

» Правильная, уравновешенная композиция, тяготеющая к симметрии и вписывающаяся в правильную геометрическую фигуру.

» Цвета высветляются постепенно, от низа к верху. Нижняя часть картины темнее, чем верхняя.

» Картины создаются на мифологические или библейские сюжеты; также популярен исторический жанр, парадные портреты.

» Настроение картин торжественное, героически приподнятое, всегда есть место патетике.

Академизм стал нормативным искусством, в котором было много условий, правил и ориентиров. Закономерно, что далеко не все мастера были согласны идти только таким путём.

Караваджизм

Художником, который первым заявил о других живописных принципах, был Микеланджело Меризи да Караваджо. С его именем ныне связано направление караваджизма, во многом противоположное академической живописи.