Кирилл Сергеев – От и До первой галереи (страница 11)

А тогда на что они – правила? Но как создать оригинальное произведение искусства, не нарушая правил? По-настоящему новое и закрученное, вычурное и странное. В целом – оригинальное. Почему эти правила должны её ограничивать? Почему Полина должна мучаться? Оставлять, держать эти идеи в себе? Почему она должна отказывать себе? Говорить «нет»?

Иногда голову всё же приходится выключать, но всё же без правил будет сложнее. Своей дорогой идти сложно, особенно когда она не протоптана. Да, возможно, идея будет оригинальная, но опыта и мастерства, наставника за спиной не хватит, чтобы засветиться. Нужно иметь идеальный баланс между правилами, рациональностью и разумом в целом, а на другой чаше весов компоненты должны балансировать с чашей оригинальности, новизны и вычурности.

Как говорил Ошо (индийский религиозный и духовный лидер, полное имя – Багаван Шри Раджниш), нам нужно сначала мучительно изучать 12 лет правила искусства, чтобы быть грамотным в целом, ведь, чтобы писать, надо знать алфавит, надо знать компоненты для общения, надо знать буквы, на которых ты говоришь; для того чтобы излагать свои мысли на картине, нужно свободно владеть языком композиции. А после этого нам нужно забыть эти правила на 12 лет. Если ты скульптор, то 12 лет не трогай скульптуры, если ты художник, то не трогай полотна и в том же роде – логика, думаю, понятна. И после этих 24 лет ты не будешь зависеть от этих правил, правила будут зависеть от тебя, ведь ты их в целом забудешь. Ты запомнишь технику, ты будешь знать, как писать, но правила тебе мешать уже не будут. Ты будешь доминировать над ними, а не наоборот.

Но, конечно, ни у кого на это времени нет, поэтому правила всё же вершат над нами, ставя нам 10 стен, за которыми мы не видим, но при этом ставят маленькую лестницу рядом, до использования которой нам нужно додуматься, ведь она так мала по сравнению со стеной. Просто рисовать на стене – не вариант, не думай переиграть эту систему, не прокатит. Мы в искусстве, думай глубже.

Так что для полного баланса и гармонии твоего искусства всё же придётся изучить или повторить основу. Я наведу тебя на мысли. Буду задавать вопросы, на которые тебе придётся отвечать, изучая тем самым правила искусства.

Мне становится всё яснее, я всё с большей силой чувствовал, что центр тяжести искусства лежит не в области «формального», но исключительно во внутреннем стремлении (содержании), повелительно подчиняющем себе формальное.

В. Кандинский

Глава 5.1

5.1 Поверхность, полотно

Перед нами самый обычный лист бумаги, не важно, какой он: большой или маленький, прямоугольный, квадратный или иной, возможно, волнообразной формы. Может, он цветной? А может, стандартно белый?

Всё, что нас ограничивает и одновременно даёт возможности, – это плоскость, на которой мы пишем и рисуем, в итоге чего мы временами получаем что-то интересное и странное.

Как правило, при просмотре шедевра изобразительного искусства (сейчас говорим именно про картины) мы не обращаем внимания на плоскость, скорее посмотрим на композицию, но не на саму плоскость, под которую композиция изначально и подстраивалась. А ведь плоскость является самым первым решением в выборе идей. Каждая идея изначально появляется в нашей голове с примерной композицией, которая обязана встроиться в полотно, так сказать, залезть в раму и неподвижно стоять на холсте.

Многие забывают, что именно плоскость, на которой мы вскоре будем писать, играет исключительную роль в создании цельносного и художественного образа, а также его выразительности, во многом определяющей пластический характер произведения.

Именно плоскость задаёт изначальную линию динамики. Ведь у круговой картины и у стандартной прямоугольной картины мы можем наблюдать абсолютно разные линии динамики. Прямоугольную картину мы можем рассматривать как движение линии по горизонтали или вертикали, также по диагоналям, как движение санок с горки. Очень динамично. Получается «взрыв, спайка», активные линии и высокая скорость. Также у нас есть квадратная плоскость, которая, скорее всего, подходит для статичного изображения объектов. У квадрата все стороны равны – никого не удивить этой информацией, ведь если умеешь читать, то точно это знаешь. Так вот, ни одна из этих линий на плоскости квадратной картины не становится основной, она не перетягивает внимание на себя, она в равновесии с другими сторонами картины. Получаем ощущение удовлетворения и покоя, статики.

Помимо плоскостей с идеальными геометрическими формами, в искусстве мы можем получить совмещение нескольких фигур. К примеру, плоскость может быть прямоугольной и с закруглением сверху, как будто добавили половину окружности. От такой комбинации фигур мы можем ощутить более мягкие образы, ведь они не врезаются в острые углы картины.

Изначальная поверхность также немало влияет на итоговый результат. На картине может быть многочисленная фактура, которая будет влиять на восприятие нами предмета искусства: горки от многочисленных мазков масляной краски, фактура самого холста, фактура стены, если мы пишем фреску, и т. д. и т. д.

От размеров полотна зависит тяготеющая, зовущая или просто центральная зона и мёртвая зона. От изменения размеров полотна переходит с одного места на другое золотое сечение и прочие пропорции, что напрямую зависят от плоскости.

Работая над своим новым произведением, художник формирует новое изобразительное пространство, в котором в соответствии с творческой задачей он расставляет объекты на плоскости, добавляет ритм в картину, подчиняет все объекты одному композиционному центру, избавляется от лишних объектов в слепой зоне, объединив всё в одну единую пластическую структуру, не выходящую за пределы ограниченного поля. Только в этом случае мы получим гармонирующее, единое и целое пространство. Соответственно, непременным условием создания произведения изобразительного искусства является ограничение изобразительного пространства, которое больше всего подходит для воплощения замыслов художника.

Почему первый вопрос, который стоит поставить перед началом работы, звучит так: «В каком формате и его расположении писать картину?» Почему именно на плоскости такого размера и формы? Попробуйте сделать наброски своей идеи в разных форматах, пока обойдёмся тремя: вертикальный, горизонтальный и квадратный. Сделай быстрые зарисовки в каждом из форматов. Ты быстро заметишь, как меняется вид твоей идеи, под какими разными углами ты сможешь их рассмотреть:

В горизонтальном формате, если ты не станешь использовать диагонали, то мы увидим тишину, спокойствие и умиротворение. Ощущения такие же, как в 10 лет, когда ты летом у бабушки в деревне: лениво встаёшь с кровати, ещё не до конца проснувшийся, выпил чай, от которого так медленно тянется дымок, ведь чай горячий. После спокойного утреннего ритуала идёшь на улицу смотреть, как травинка легко колышется из стороны в сторону и обратно. А если всё же рискнёшь проявить диагонали в своей картине, то этот спокойный день перестаёт быть таковым – ты уже со всех ног бежишь с возвышенности от толпы уличных собак, которые так и норовят вытащить пару колбасок из твоего кармана.

Использовав же вертикальный формат, мы видим элегантность, возвышенность, мы подчёркиваем огромный капитал или высокий духовный статус, а бывает, включается осторожность к действиям на полотне, мы начинаем поглядывать на движения с подозрением, с подвохом. Такие работы, скорее всего, будут серьёзными и вдумчивыми, а могут быть просто спокойными, если добавить закругление в верхней части формата (как у Рафаэля Санти в произведении «Прекрасная садовница»). В таком формате герою некуда спешить, да и пространства перед ним не так много для какого-нибудь похода. В таком формате я сразу же представляю героев в спокойном интерьере, в котором не так много деталей на заднем фоне, все основные мазки и штрихи сосредоточены на главной фигуре – к примеру, человек в спокойной одежде, он никуда не торопится, он уже успел сделать всё и просто задумался о своём.

Квадратный формат, в свою очередь, не показывает нам возвышенность, он больше про покой и тихую радость, которая временами перестаёт быть такой и превращается в тревогу. В композиции такого формата мы вряд ли увидим резкие движения, рывки и прочую сильную динамику. Такой формат может и передавать сильное эмоциональное давление на зрителя, он может давить на него, запирать его в рамки, которые так малы для него (сочувствую клаустрофобам).

Таким образом, мы увидели, что само полотно играет немаловажную роль в создании композиции и последующих этапов. Формат может служить основным ключиком для передачи ваших художественных замыслов, от него можно добавить эффектность картине и погрузить смотрителя в глубокие и чувственные переживания, в глубокие мысли, что является главным достижением для художника.

Глава 5.2

5,2 тон

Тон? Что это? Это цвет?

Часто тон путают со цветом, не видят их разницы. Но это абсолютно два разных понятия. Без тона – градации светлого и темного – и не будет картин, привычных нам для понимания. А точнее, вообще не будет ничего. Нельзя сказать, что тон не проживет без цвета, скорее наоборот, ведь отдельно тональное произведение мы можем создать (я говорю про графику – градация света и тени), а вот живописная картина без тона? Сложная задача, если не совсем невыполнимая. Все же я думаю, что не выживет. Просто вымрет в пыльном одиночестве, ведь тон – это «скелет» картины, а как мы знаем, без скелета нам не выжить. На него уже ложится вся «плоть» цвета. Представляя красный, мы в уме думаем об алом (светло-красном, ярком), бордовом (темно-красном, приглушенном) и прочих. Мы думаем о его качественной способности – о «красноте», которая отличается только насыщенностью и светлотой. А существование красного без светлоты и насыщенности – недозволенное воображение нашему уму. Такое просто невозможно.