Алина Аксёнова – История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения (страница 33)

Это время, когда многие художники, писатели и поэты стремились покидать города. Действительно, города росли, их шум, движение, заводы, железные дороги и другие признаки надвигающейся цивилизации заставляли художников обратиться к природе.

Самый известный барбизонец — Жан-Франсуа Милле — писал крестьян. И, если сравнить салонную «Сборщицу колосьев» со «Сборщицами колосьев» Милле, разница огромна. В его картинах главным является труд человека и окружающий мир, простой и настоящий. В отличие от крестьянки Бугро, здесь не видно лиц героинь, их занятие важнее их внешности. «Пастушка» Милле — это не просто девушка, изображённая рядом со стадом овец, но глубокий образ и разговор о судьбе этой девушки и подобных ей крестьянок. Из-за опущенной головы невозможно рассмотреть черт лица, однако видно, что оно печально. Потрёпанная накидка, тёмно-синяя юбка и пастушеский посох в руке — этого достаточно, чтобы проникнуться образом жизни этой крестьянки. Мы не увидим в этой картине ничего общего с пасторалями рококо.

Барбизонцы хотели писать живую природу, видя её перед глазами. Они — первые художники, вышедшие из мастерской на пленэр.

Там они делали зарисовки с натуры, а затем дорабатывали картины в своих ателье. Возможность писать на природе появилась у художников благодаря изобретению тюбиков для масляной краски. Прежде живописцы сами занимались смешиванием красящих пигментов с маслом, что делало невозможной работу на открытом воздухе. Готовая краска, помещённая в металлический тюбик, облегчила работу художников и позволила работать везде.

Видя природу непосредственно перед собой, живописец воспринимает мир более реальным, не придуманным и представленным. Стремясь более точно изобразить воздух и свет, мастера перестали уделять внимание контурам предметов, сосредоточившись на цветовых пятнах. Камиль Коро, официально не принадлежавший к кругу барбизонцев, но испытавший большое их влияние, попытался передать движение света, воздуха и предметов. В его картине не видно чётких контуров, зато у каждого цвета есть множество оттенков. Мазки, лёгкие и разноцветные, лежат рядом, создавая ощущение трепетности листвы и травы.

Реализм — это течение, целью которого стало отображение обыденной жизни во всех ее проявлениях. Оформившись в XIX веке, оно служило своего рода протестом против общепринятых живописных норм академизма, салонной живописи, идеализации и эстетизации героев, служащей для увеличения продаж картин.

Главными темами реалистов стала жизнь простых людей — крестьян, рабочих, горожан среднего достатка. Отдельным направлением станет критика общественной морали и политической жизни.

Один из главных мастеров-реалистов — Оноре Домье. Его главной задачей была критика политического строя. В частности, в картине «Гаргантюа» он изображает монарха в сатирическом образе. Кроме того, в его картинах часто можно увидеть неприглядную сторону реальности.

Также крупным художником-реалистом считается Гюстав Курбе. Героями его масштабной картины «Похороны в Орнане» становятся обычные жители, здесь нет никакого выдающегося события — смысл этого полотна в том, чтобы максимально точно и детально изобразить обыденную жизнь. С точки зрения академической живописи эта картина не имеет ни малейшего смысла.

Группа художников, уделявших особое внимание пейзажу, получила название барбизонцев — от деревушки Барбизон. В то время среди художников было популярным покидать шумные города, чтобы обратиться к природе.

Самый известный из барбизонцев, Жан-Франсуа Милле, темой для картин выбрал крестьянский быт. Его крестьянки и пастушки не имеют ничего общего с пасторалью — это глубокие образы, говорящие о проблемах и тяготах крестьянского труда.

Барбизонцы — это первые в истории художники, которые писали природу с натуры на открытом воздухе. Этому способствовало изобретение тюбиков с масляной краской — теперь можно было не опасаться, что краска засохнет. Кроме того, благодаря этому живописцы стали уделять больше внимания цветам, а не контурам предметов — чтобы точнее передать воздух и цвет.

Всматриваясь в природу глазами, работая на воздухе, художники по-новому взглянули на мир и на задачи искусства. Это повлияло на возникновение нового течения в живописи — импрессионизма.

Импрессионизм

Время официального существования импрессионизма, одного из самых популярных течений в истории живописи — с 1874 по 1886 гг.: это даты первой и последней выставки. Течение возникло во Франции, стране, где во второй половине XIX века происходили самые значительные и революционные события в мире искусства. Эти перемены касались и изобразительной манеры, и появления новых, ранее не затронутых тем.

В 1863 и 1865 годах Париже были впервые выставлены две крайне скандальные картины: «Завтрак на траве» и «Олимпия» Эдуарда Мане.

Обе работы, на первый взгляд, отсылают к произведениям, созданным когда-то Джорджоне — «Сельскому концерту» и «Спящей Венере». Тем не менее, зрители увидели в них не повторение классических сюжетов, а дерзкий и необычный шаг.

В картине «Завтрак на траве» две обнажённые дамы проводят время в компании мужчин, одетых по моде 60-х гг. XIX века. В таком контексте героини превратились из нимф в обычных женщин, к тому же раздетых в присутствии людей противоположного пола — и это вызвало у зрителей возмущение. Вид обнажённых нимф и богинь никого не смущал, но теперь зрители увидели в героинях картины своих современниц и сочли такое изображение неподобающим. Кроме того, при взгляде на картину вообще не было понятно, что на ней происходит и какой смысл в ней заключён.

Известные сюжеты и образы впервые были поданы Мане как выхваченный из потока времени эпизод из современности, а не как очередная отсылка к вечным темам.

Не менее возмутительной оказалась «Олимпия», где по-новому зазвучал один из самых традиционных живописных образов — античной Венеры. Начиная с эпохи Возрождения, Венера была символом женственности и красоты; Джорджоне, Тициан и многие другие художники часто изображали богиню лежащей и полностью обнажённой. Казалось бы, Мане лишь продолжил многовековую традицию — но в его героине зрители отказались видеть Венеру. Что неудивительно — девушка изображена в узнаваемом интерьере борделя, на белой постели, на ногах у неё модные в то время тапочки на небольшом каблуке, а её глаза безо всякого смущения смотрят на зрителя (это считалось особенно неприличным).

Созданный Мане образ принципиально отличается от всех предыдущих в искусстве. Для наблюдателя героиня выглядит не античной богиней, а обыкновенной женщиной, живущей здесь и сейчас. Даже если сам художник задумывал обратиться к мифу, современность на его картине взяла верх. В изображенной фигуре не содержалось никакой морали или иносказания, и для публики это было более чем шокирующим обстоятельством. Современность вдруг оказалась в фокусе внимания — при этом, в отличие от работ реалистов, без какого-либо подтекста и морализаторства.

Теперь главным объектом изображения становится именно окружающая действительность. Художники начали писать всё, что видели вокруг себя, не разделяя на главное и второстепенное.

Одно из возможных объяснений этой перемены — новое ощущение времени как чего-то стремительно утекающего и меняющегося, конечного в масштабах целой цивилизации. Отсюда возникает желание остановить ускользающий миг, и художники начинают работать так, чтобы передать течение времени даже на неподвижной картине — через изменчивость формы, цвета и всего, что видит глаз. Это стало целью работы импрессионистов.

Название «импрессионизм» изначально было насмешкой. Оно появилось благодаря критику Луи Леруа — тот, увидев название картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», назвал Моне и остальных художников «впечатлистами» или «впечатленцами» («impression» по-французски и есть «впечатление»).

Действительно, художники пытались передать не сам вид предмета, а то мимолётное впечатление, которое он оставляет. Человеческий глаз видит окружающий мир крайне изменчивым и не фиксирует мелких деталей; в движении различимы лишь пятна цвета, блики и тени. Импрессионисты стремились изобразить самое непостоянное в природе — свет и движение воздуха. Чтобы добиться этого, они ушли от детальной проработки форм, контуров и фактур объектов.

«Фруктовый сад в Понтуазе» Камиля Писсаро отлично демонстрирует один из приёмов, создающих иллюзию движения, трепетность воздуха. Этот приём — обилие белого цвета, положенного на холст мелкими хаотичными мазками и как бы пронизывающего всё, что есть в картине. Так же прописываются очертания домов и других объектов. Благодаря такой эскизной технике и быстрой зарисовке с натуры изображённая природа перестаёт выглядеть застывшей и неподвижной.

Именно это возмутило зрителей и критиков — ведь эскиз всегда был подготовительной стадией работы мастера, «кухней» живописи, которую не показывали зрителю и не выставляли на продажу.

Академический принцип работы предполагал эскиз только как подготовительный этап в создании картины. Некоторые художники-академисты писали на открытом воздухе небольшие этюды, но основную работу над картиной совершали в студии, не стремясь запечатлеть объекты в их естественной среде.