Алина Аксёнова – История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения (страница 20)

Два других художника — Джорджоне и Тициан — принадлежали к венецианской художественной школе. Венецианцам было свойственно особое внимание к миру вещей, к фактурам и точному изображению реальности. Поэтому своих героев они помещают в реальный венецианский интерьер или пейзаж.

Работы Джорджоне (Джорджо да Кастельфранко) — это спокойствие и нега, тихое наслаждение жизнью и единение с природой. Он первым начинает говорить о гармонии человека и природы и считается изобретателем бессюжетной живописи, к которой будут обращаться художники в XIX веке. В его исполнении впервые появляется образ богини, полностью лишённый мифологических черт: портрет Венеры, который в отсутствие названия выглядит как портрет обычной женщины. Это новаторство унаследует у него Тициан.

Тициан считается ключевым живописцем венецианской школы. Он многое привнес в жанр портрета, наделив его тонким психологизмом, а также создав множество парадных образов. Именно Тициан довёл до совершенства работу с цветом. В отличие от работ Джорджоне женские образы у него имеют более чувственный характер и кажутся очень реальными.

Также он разрабатывает тему психологизма, изображает эмоции героев, внутренние страсти, тонкости отношений. Это хорошо демонстрирует портрет папы римского Павла III с внуками — эта картина поразила современников точностью передачи эмоций.

В поздних работах Тициана заметна смена настроений: смелость и уверенность Высокого Возрождения сменяется тревогой и осознанием зыбкости жизни. Резонируя с этими настроениями в реальности, в искусстве возникает маньеризм.

Несколько слов о маньеризме

Маньеризм находится на границе двух больших явлений в мировом искусстве — ренессанса и барокко, и поэтому многие исследователи не признают его отдельным стилем. Это направление стремилось подражать манере великих мастеров — Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и Тициана — в её лучших проявлениях.

» С одной стороны, художники-маньеристы хотели повторить прекрасные образы и формы, созданные в эпоху Ренессанса.

Особое внимание уделяется красоте героев. Лица напоминают рафаэлевские, нежное сфумато сглаживает эмоции, кожа кажется излишне высветленной, как бы избавленной от морщин и прочих печатей времени и индивидуальности. Однако подражание порой кажется чрезмерным. Фигуры теряют естественность, а композиция картины — лёгкость и уравновешенность.

Маньеризм, возникший ещё в первой половине XVI века, формировался в период кризиса ренессансного сознания, убеждённого в совершенстве человека и мира. В это время войска императора Священной Римской империи разграбляют Вечный город, умирают Рафаэль, Леонардо и Джорджоне, а Николай Коперник заявляет, что Земля вращается вокруг Солнца, а не наоборот, и называет Солнце главным небесным телом.

В 1545 году представители католической церкви собрались на Тридентском соборе, чтобы вернуть былой престиж и восстановить власть Церкви, утратившей свои позиции в первой половине XVI века. Они учредили инквизиционный трибунал и жестоко расправлялись с теми, кто не признавал церковного авторитета. Так, жертвой этой волны инквизиции станет Джордано Бруно.

Эти потрясения не могли не сказаться на состоянии умов и настроениях в искусстве. В картинах маньеристов форма начинает преобладать над содержанием, пока последнее не исчезает вовсе.

Желание создать внешне красивый образ подталкивает художников к излишней эстетизации, они увлекаются игрой с цветами и пропорциями фигур. Композиция в картинах маньеристов иногда неуравновешенна и перегружена, цвета порой очень яркие и неестественные. То же можно сказать и о позах, в которых запечатлены герои.

Ярким примером может послужить работа Франческо Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей»: удлинённые пропорции тела Богоматери и почти падающий с её колен младенец Иисус не похожи ни на реальность, ни на то, как до этого было принято изображать этих героев.

Трудно говорить и о внутреннем наполнении образа. Текучие линии, манерные жесты, плавные переходы оттенков бледно-сиреневого, розового и серого — все это ценно само по себе, но не несёт какого-либо дополнительного смысла.

» Игра, эксперимент и разрушение привычных канонов — другая сторона маньеризма.

Кажется, эти характеристики свойственны искусству авангарда XX века. Однако смелые попытки ухода от традиций начались намного раньше. Джузеппе Арчимбольдо прославился удивительными портретами, где человеческие лица изображаются при помощи растений.

Аллегории, представлявшие времена года, были известны в искусстве ещё со времён поздней готики. Кроме того, художник точно и достоверно передал внешний вид всех цветов, фруктов и овощей: каждый из цветков в картине «Лето» узнаваем ботаниками.

Такой научный подход к передаче предмета одобрил бы сам Леонардо. Однако не стоит забывать, что этим странным способом передана человеческая внешность.

» Эти работы можно воспринимать как заявление о том, что человек более не воспринимается как венец творения и высшее существо — теперь он встал на одну ступень с другими явлениями действительности.

Хотя это лишь один из выводов, которые мы можем сделать, глядя на работы Арчимбольдо, признанного многими как предтеча сюрреализма.

Упоминанием этого экстравагантного искусства мы поставим точку в разговоре об итальянском Ренессансе, но продолжим говорить о Возрождении, которое охватило страны, расположенные к северу от Альп: Францию, Германию и Нидерланды.

Северное возрождение. Искусство Германии и Нидерландов XV—XVI ВВ.

Жизнь и искусство всегда взаимосвязаны. XV век в Западной Европе — время серьезных изменений. На появление нового взгляда на мир повлияли открытия в науке, рост городов, постепенное просвещение людей, понимание, что многое в жизни зависит от человека. В Италии интерес к реальности заставил обратиться к античности и отказаться от готических и византийских принципов. В странах к северу от Италии — во Франции, Германии, Нидерландах — происходили не менее значительные изменения, которые условно принято называть «Северным Возрождением».

Ван Эйк и масляная живопись

Крупнейший художник, с именем которого связывают начало нового искусства — Ян ван Эйк. В его небольшой работе «Мадонна в церкви» становится заметно, что изменились изобразительные принципы, а также появился интерес к окружающей реальности.

Богоматерь с младенцем Иисусом на руках изображена в интерьере готического собора. Фигура её, с-образно изогнутая, выглядит невесомой. Однако назвать эту картину готической нам не позволяют точно и реалистично прописанные детали.

Складки одежды Марии, хотя и не подчёркивают фигуру с её женственными формами, кажутся объёмными. Тонко проработаны мелкие узоры на окантовке ткани, с таким же вниманием мастер изобразил распущенные по плечам волосы. Кажется, что тщательно прорисован буквально каждый волосок. Мадонна как небесная царица изображена в короне, на которой видно все узоры и оправы для драгоценных камней. Сами камни блестят, отражая свет.

Но более всего от средневековых канонов в этом произведении отходит пространство. У Марии за спиной интерьер готического собора, однако уходящие в глубину своды, изображение витражей и декора говорят о том, что мастер уже знает о прямой перспективе и виртуозно моделирует объём предметов.

По-особенному передан свет, его присутствие в картине кажется очень реальным. Свет проходит через цветные стёкла, скользит по каменному полу, отражается от серебристой окантовки мафория Богоматери.

Совокупность этих нюансов — светотень, объёмы, фактуры, точная передача деталей — говорит о том, что искусство вышло за рамки готической традиции и шагнуло дальше.

Добиться этого помог не только новый взгляд на земной материальный мир. Столь реалистично воплотить реальность в изображении позволила новая живописная техника — масляная.

» Ещё до того как в конце XV века масляной краской стали писать венецианцы, а потом и остальные художники Италии, её впервые использовал ван Эйк. Ему даже приписывают изобретение этой техники, но подтверждений тому нет.

Однако произведения именно этого мастера впервые в истории были написаны маслом. Эта прозрачная и лёгкая краска помогла художникам выразить интерес к окружающему миру через богатство изображаемых оттенков и фактур.

Первоначально необходимость использовать масло была связана с появлением в западноевропейских церквях небольших деревянных алтарей-складней, которые стали альтернативой фрескам и мозаикам, которые просто негде было размещать — ведь в готическом храме практически нет стен. И вот, стремясь достичь созвучия живописи с яркостью витражей, сквозь которые проходили солнечные лучи, делая цвета сочными и насыщенными, мастера и открыли масляную живопись.

Масляная краска способна создавать подлинный эффект сияния. Тонкие мазки ложатся один на другой, и нижние слои просвечивают через верхние, что делает цвет богаче, сильнее. Это же даёт художнику возможность представить фактуру предмета более правдоподобно.

Это хорошо видно у Рогира ван дер Вейдена в картине «Благовещение». Дева Мария и архангел находятся в комнате, как и у Ван Эйка, позы героев условны, а фигуры готически изогнуты и кажутся невесомыми. Комната, в которой они находятся, изображена в резком перспективном сокращении. Художники Северной Европы, обратившись к прямой перспективе, старались изобразить больше пространства, чем способен увидеть человеческий глаз: для этого они уменьшали и сужали пространство быстрее и резче, чем бывает в реальности. Но это позволяло мастерам дать больше подробностей и наполнить картину прекрасными деталями, каждая из которых была для них ценностью.